01. Choose Marketing: Wie TRAINSPOTTING 1996 den Zeitgeist kaperte und zur Kultmarke wurde.
Es gibt Momente in der Kulturgeschichte, die wie ein Blitz einschlagen, die etablierte Ordnung durcheinanderwirbeln und den Soundtrack einer ganzen Generation neu definieren. Mitte der 1990er Jahre war so ein Moment. Großbritannien pulsierte im Rhythmus von Britpop, eine Welle nationalen Selbstbewusstseins schwappte durch Musik und Mode, und im Kino regte sich eine neue, freche Independent-Szene. Inmitten dieses kulturellen Schmelztiegels explodierte 1996 ein Film auf der Leinwand, der so gar nicht in das Schema passen wollte: Trainspotting. Danny Boyles fiebrige, hyperkinetische Verfilmung des gleichnamigen Romans von Irvine Welsh war roh, brutal ehrlich und handelte von Themen, die man lieber unter den Teppich kehrte: Heroinabhängigkeit in den trostlosen Ecken Edinburghs, urbane Armut, Perspektivlosigkeit und ein tief sitzender, zynischer Nihilismus.
Man hätte erwarten können, dass ein solcher Film, trotz seiner literarischen Vorlage, ein Nischenphänomen bleibt, goutiert von Kritikern und einem kleinen Arthouse-Publikum. Doch Trainspotting wurde zu etwas viel Größerem: einem kulturellen Erdbeben, einem definierenden Werk seiner Zeit, das weit über die Grenzen Großbritanniens hinausstrahlte. Wie konnte ein Low-Budget-Film (£1,5 Millionen ) über Sucht und Verfall zu einem solchen Phänomen werden, das weltweit über 72 Millionen Dollar einspielte und zum zweiterfolgreichsten britischen Film seiner Zeit avancierte? Die Antwort liegt nicht nur in der unbestreitbaren filmischen Qualität, sondern maßgeblich in einer Marketingkampagne, die selbst ein Meisterwerk der kulturellen Intervention war – kühn, innovativ und perfekt synchronisiert mit dem Puls der Zeit.
Die Kunst des Anti-Marketings: Den Nerv der Jugend treffen
Die Marketingstrategen hinter Trainspotting, allen voran der Verleih Polygram Filmed Entertainment im Vereinigten Königreich und Miramax in den USA , erkannten früh, dass konventionelle Werbemethoden für diesen Film nicht nur unpassend, sondern kontraproduktiv wären. Es gab eine explizite Direktive: Bloß keine Filmmarketing-Klischees! Stattdessen orientierte man sich an der Authentizität und dem rebellischen Image der Musikindustrie, insbesondere der pulsierenden Indie-, Britpop- und Clubkultur-Szene. Dies war kein Zufall, sondern ein strategischer Geniestreich, um genau jene Zielgruppe anzusprechen, die den Kern des potenziellen Publikums bildete: desillusionierte Jugendliche, Studenten, Anhänger der alternativen Musik- und Kulturszene. Man wollte den Film nicht wie einen Film verkaufen, sondern wie das nächste große Ding aus der Musikwelt.
Die Wahl der Designagentur fiel auf Stylorouge, bekannt für ihre Arbeit an Plattencovern für Bands wie Blur. Sie erhielten den kreativen Freiraum, etwas Einzigartiges zu schaffen, das sich radikal von den "alten, klischeehaften Formaten" abhob, die Filmfirmen oft bevorzugten. Die Kampagne zielte direkt auf das Lebensgefühl einer Generation ab, die von Ennui, Rebellion gegen das Establishment und der Suche nach einer eigenen kulturellen Identität geprägt war. Poster wurden strategisch in der Nähe von Universitäten platziert , und der Soundtrack wurde sorgfältig kuratiert, um die musikalischen Vorlieben dieser Demografie widerzuspiegeln.
Der Zeitpunkt der Veröffentlichung hätte nicht besser gewählt sein können. Der Film traf mitten ins Herz der "Cool Britannia"-Ära, einer Zeit des wiedererwachten britischen Selbstbewusstseins, angeführt von der Britpop-Bewegung.Die Marketingkampagne nutzte diese Synergie meisterhaft aus. Die Besetzung wurde fast wie eine aufstrebende Rockband inszeniert – blass, zerzaust, mit herausforderndem Blick. Musik von zentralen Britpop-Acts wie Blur und Pulp wurde prominent im Film und auf dem Soundtrack platziert. Dies schuf eine sofortige kulturelle Verankerung und zog ein Publikum an, das sich bereits stark mit dieser Bewegung identifizierte. Die Kampagne spiegelte den Stolz auf heimische Talente wider, der für die Ära charakteristisch war.
Gleichzeitig schreckte das Marketing nicht vor den kontroversen Aspekten des Films zurück. Drogenkonsum, explizite Szenen, Gewalt und Verwahrlosung wurden nicht beschönigt, sondern kalkuliert als Teil des Reizes eingesetzt. Der Schockwert und die ungeschönte Rohheit wurden zu Verkaufsargumenten. Die gesamte Ästhetik zielte darauf ab, die kinetische Energie und die ungeschminkte Realität des Films einzufangen , nicht sie zu glätten.
Visuelle Revolution: Orange, Schwarz-Weiß und Helvetica
Das visuelle Erscheinungsbild der Kampagne war bahnbrechend und prägte das Image des Films nachhaltig. Im Zentrum standen die Charakterposter, entworfen von Rob O'Connor und Mark Blamire bei Stylorouge. Sie brachen radikal mit den Konventionen des Filmplakatdesigns. Statt farbenfroher Montagen oder heroischer Posen sahen wir markante Schwarz-Weiß-Porträts der Hauptdarsteller, brillant fotografiert von Lorenzo Agius. Diese Porträts wurden vor einen leuchtend orangen Hintergrund gesetzt – eine Farbe, die sofort ins Auge sprang und Assoziationen an Warnhinweise oder industrielle Kennzeichnungen weckte. Kombiniert mit der klaren, schnörkellosen Helvetica-Typografie und einem minimalistischen Layout , entstand eine Ästhetik, die bewusst an das Design von Gefahrgut-Etiketten oder Medikamentenverpackungen erinnerte.
Diese "Anti-Klischee"-Philosophie war Programm. Die Anweisung der Verleiher war klar: Der Film sollte visuell der Musikindustrie zugeordnet werden. Stylorouge nutzte seine Expertise aus dem Musikgeschäft, um einen Look zu kreieren, der sich bewusst von der Masse abhob. Die Entscheidung für Schwarz-Weiß-Fotografie für einen Farbfilm war ein mutiges kreatives Risiko. Interessanterweise offenbarte ein erster Testlauf ein Problem: Die Schauspieler wirkten zu freundlich, fast wie die Besetzung einer harmlosen Fernseh-Sitcom. Die Lösung war entscheidend für die Authentizität der Kampagne: Man entschied sich, die Schauspieler in ihren Rollen zu fotografieren, um die Intensität, die Abgründigkeit und die rohe Energie ihrer Charaktere einzufangen. Dieser Schritt unterstreicht das Bekenntnis zur Schonungslosigkeit des Films; man wollte kein geschöntes Bild verkaufen, sondern die Essenz des Werks visuell übersetzen. Das Ergebnis war eine Poster-Serie, die die Darsteller wie Mitglieder einer neuen, aufregenden Band präsentierte , was die Verbindung zur Musikszene stärkte und direkt an die Zielgruppe appellierte. Die Poster wurden sofort ikonisch, vielfach kopiert und parodiert – das ultimative Zeichen kultureller Durchdringung.
Neben den Charakterpostern erlangte ein weiteres Plakat immense Popularität, obwohl es keinen einzigen Schauspieler zeigte: das Poster, das den berühmten "Choose Life"-Monolog als reinen Textblock präsentierte. Produziert von GB Posters unter Lizenz, übernahm es Designelemente der Stylorouge-Kampagne (Orange, Typografie). Dieses Poster wurde zu einem der bekanntesten visuellen Symbole des Films und fand seinen festen Platz an den Wänden von Studentenwohnheimen und Jugendzimmern in ganz Großbritannien und darüber hinaus. Seine Kraft lag in der perfekten Destillation der zentralen Botschaft des Films – einer Mischung aus Nihilismus, Zynismus und einer überraschend nachvollziehbaren Kritik an den Zwängen des modernen Lebens. Bemerkenswert ist, dass dieses Poster über 20 Jahre lang kontinuierlich nachgedruckt wurde , ein Beweis für seine anhaltende kulturelle Resonanz.
Auch die Trailer brachen mit Erwartungen. Besonders der erste Teaser-Trailer war radikal: Berichten zufolge enthielt er kein einziges Bild aus dem eigentlichen Film . Stattdessen setzte er auf eine eigens geschaffene visuelle Ästhetik (möglicherweise angelehnt an die Poster oder mit neu gedrehtem Material ), Musik und Schlüsselsätze, um Neugier zu wecken und die Haltung des Films zu etablieren, ohne die Handlung zu verraten. Dieser Ansatz war riskant, passte aber perfekt zur Strategie, Trainspotting als etwas Anderes, etwas Besonderes zu positionieren. Stil, Attitüde und Musik wurden über die konventionelle Erzählung gestellt. Der Haupttrailer spiegelte dann die unbändige kinetische Energie des Films wider: schnelle Schnitte, dynamische Handkamera, Zooms, ungewöhnliche Blickwinkel, Freeze Frames . Angetrieben vom pulsierenden Soundtrack, insbesondere Iggy Pops "Lust for Life", und Rentons zynischem Voiceover , präsentierte der Trailer die Charaktere und ikonische Momente (die "Worst Toilet in Scotland"-Szene, Fetzen des "Choose Life"-Monologs), ohne die Geschichte zu entblößen. Der Fokus lag klar auf der Vermittlung von Attitüde, schwarzem Humor und der rohen, unverfälschten Energie.
Die visuelle Kohärenz wurde durch das Titeldesign des Kollektivs Tomato (Dylan Kendle, Jason Kedgley) abgerundet. Sie schufen schmutzige, ausgebrannte Texturen, unter anderem durch den innovativen Einsatz von Thermofaxgeräten – eine budgetfreundliche Methode, die den Titeln eine einzigartige, physische Qualität verlieh, als wären sie ins Papier gebrannt. Dieses Verfahren passte perfekt zur Ästhetik des Verfalls und der Rohheit des Films. Die Symbolik der verbundenen Linien im Haupttitel war ebenfalls brillant: Sie standen sowohl für Bahngleise (eine Anspielung auf den Titel) als auch für die Spuren von Injektionsnadeln ("Needle Tracks"), was die Themen Sucht und Reisen visuell verschmolz.
"Choose Life": Die subversive Kraft eines Slogans
Das verbale Herzstück der Kampagne war zweifellos der Slogan "Choose Life". Seine Ironie war vielschichtig und kulturell tief verwurzelt. Ursprünglich stammt der Slogan aus Anti-Drogen-Kampagnen der 1980er Jahre und wurde durch die politischen Mode-Statements der Designerin Katharine Hamnett populär, deren T-Shirts mit diesem Aufdruck von Pop-Ikonen wie Wham! und Queen getragen wurden, um Konsumkritik zu üben.
Trainspotting kaperte diesen positiv besetzten Slogan und verkehrte seine Bedeutung ins Gegenteil. Rentons Eröffnungsmonolog, der prominent im Marketing eingesetzt wurde, beginnt mit "Choose Life" und zählt dann sarkastisch die Insignien eines bürgerlichen Lebens auf – Job, Familie, großer Fernseher, Waschmaschine –, nur um all dies am Ende zugunsten von Heroin zu verwerfen: "Ich entschied mich, das Leben nicht zu wählen. Ich wählte etwas anderes. Und die Gründe? Es gibt keine Gründe. Wer braucht Gründe, wenn man Heroin hat?". Diese brillante Subversion traf den Nerv einer Generation, die von Desillusionierung, Zukunftsangst und einer tiefen Skepsis gegenüber gesellschaftlichen Normen geprägt war. Die Kraft des Slogans lag in seiner Mehrdeutigkeit: Er war gleichzeitig Zitat, ironischer Kommentar und Ausdruck purer Verzweiflung. Er fasste die ambivalente Haltung des Films – die Faszination und zugleich die Zerstörungskraft der Drogensucht – perfekt zusammen und sprach die Zielgruppe auf einer tiefen, fast existenziellen Ebene an.
Der Soundtrack: Mehr als nur Musik, ein Lebensgefühl
Die Musik war kein nachträgliches Add-on, sondern ein integraler, strategischer Pfeiler der Marketingkampagne. Der Soundtrack wurde nicht einfach zusammengestellt, er wurde kuratiert, um die Themen des Films zu spiegeln und gleichzeitig eine direkte Verbindung zur Zielgruppe herzustellen. Die Mischung war eklektisch, aber zielsicher:
Die Paten des Punk und Glam Rock: Iggy Pop ("Lust for Life", "Nightclubbing") und Lou Reed ("Perfect Day") lieferten nicht nur ikonische musikalische Momente, sondern brachten auch eine Aura von coolem, drogenaffinem Rock'n'Roll-Mythos mit. Ihre Musik, bereits im Roman von Welsh präsent, verlieh dem Film historische Tiefe und Authentizität.
Der Puls von Britpop: Die Einbindung aktueller britischer Bands wie Blur ("Sing"), Pulp ("Mile End"), Elastica ("2:1") und Sleeper (mit einem Cover von Blondies "Atomic") war entscheidend, um den Film im Hier und Jetzt der 90er zu verankern. Es war die Musik, die die Zielgruppe hörte, die Bands, die sie verehrte.
Die Energie der Rave-Kultur: Tracks von Underworld ("Born Slippy.NUXX", "Dark & Long"), Leftfield ("A Final Hit"), Bedrock ("For What You Dream Of") und Goldie ("Inner City Life") spiegelten den wachsenden Einfluss der elektronischen Musik und der Clubkultur wider, die auch mit einem Wandel im Drogenkonsum (hin zu Ecstasy) verbunden war. Dies erweiterte die Relevanz des Films für eine weitere wichtige Subkultur.
Die Promotion des Soundtracks war beispiellos. Es wurden zwei separate Alben veröffentlicht – eine Seltenheit und ein Zeichen dafür, wie zentral die Musik für das gesamte Phänomen Trainspotting war. Das erste Album wurde ein massiver kommerzieller Erfolg, erreichte dreifachen Platin-Status in Großbritannien und etablierte sich als eigenständiges kulturelles Artefakt. Die Veröffentlichung eines zweiten Volumes war eine clevere Marketingstrategie, um die Dynamik aufrechtzuerhalten und die Nachfrage zu befriedigen. Tristram Penna, A&R-Chef bei EMI, spielte eine Schlüsselrolle bei der Zusammenstellung und schlug entscheidende Tracks wie "Lust for Life" und "Perfect Day" vor, nachdem die Filmemacher Schwierigkeiten hatten, Lizenzen für andere Wunschkandidaten (wie David Bowie) zu bekommen . Musikvideos, darunter ein von Boyle selbst inszeniertes für "Lust for Life" und das stilprägende Video zu Underworlds "Born Slippy" , verstärkten die Promotion über Musikkanäle.
Die Musik war untrennbar mit dem Film verwoben und verstärkte dessen Wirkung immens. Iggy Pops "Lust for Life" wurde zum Synonym für die Eröffnungsjagd , Lou Reeds "Perfect Day" verlieh der Überdosis-Szene eine schmerzhaft-schöne Ironie , Underworlds "Born Slippy.NUXX" wurde zur Hymne für Rentons kathartische Flucht am Ende , und Brian Enos Ambient-Klänge ("Deep Blue Day") untermalten den surrealen Tauchgang in die "schlimmste Toilette Schottlands". Die Musik lieferte Energie, Emotion, Ironie und einen unbestreitbaren Coolness-Faktor, der den Soundtrack selbst zu einem mächtigen Marketinginstrument machte.
Verbreitung: Die Botschaft an die Basis bringen
Um die definierte Zielgruppe effektiv zu erreichen, nutzte die Kampagne einen gezielten Medienmix:
Poster-Dominanz: Die ikonischen Poster waren allgegenwärtig. Strategisch platziert in der Nähe von Universitäten und Hochschulen , aber auch in Kinos, Plattenläden und im öffentlichen Raum. Verschiedene Formate wie das britische Quad-Format und das US One Sheet sorgten für breite Sichtbarkeit .
Print-Präsenz: Anzeigen und Cover-Storys in Jugend-, Musik- und Filmmagazinen sprachen die Leserschaft direkt an. Die Verwendung von schottischem Slang wie "In yer face" auf einem Magazincover unterstrich die Authentizität.
Soundtrack-Offensive: Die CDs waren prominent im Handel platziert (z.B. bei HMV ), unterstützt durch eigene Anzeigen und Promo-Versionen . Musikvideos liefen auf Musiksendern.
Bewegtbild: Neben den Trailern gab es vermutlich auch TV-Spots , die den energiegeladenen, rohen Stil des Films aufgriffen, möglicherweise beeinflusst von der Cinema-Vérité-Ästhetik zeitgenössischer Anti-Drogen-Kampagnen.
Zusatzmaterial: Insbesondere die US-Kampagne von Miramax setzte auf weitere Materialien wie Postkarten und Bücher, um die Marktdurchdringung zu maximieren.
Dieser Mix war darauf ausgelegt, die Jugendkultur dort abzuholen, wo sie stattfand: an Bildungseinrichtungen, in der Musikszene, in relevanten Medien. Die Formate selbst – Poster und Musik – waren kulturelle Währungen für diese Generation.
Kontroverse als Katalysator: Glamour oder Grauen?
Die Marketingkampagne selbst wurde als innovativ und bahnbrechend gefeiert. Ihre schnelle Parodierung war ein Indikator für ihre unmittelbare kulturelle Durchschlagskraft. Sie schuf erfolgreich einen Hype und positionierte den Film als cooles Muss-Ereignis.
Doch der Erfolg war begleitet von einer heftigen Kontroverse: Verherrlichte der Film – und sein stylishes Marketing – den Drogenkonsum? Kritiker argumentierten, dass der energiegeladene Stil, die charismatischen Darsteller (allen voran Ewan McGregor als Renton), der Fokus auf Freundschaft und die coole Ästhetik der Kampagne den Junkie-Lifestyle trotz der gezeigten Abgründe attraktiv machen könnten. Der Film, so der Vorwurf, verurteile seine Protagonisten nicht eindeutig genug. Das Marketing mit seinen ikonischen Porträts trug zu dieser Wahrnehmung bei.
Die Verteidiger des Films, darunter die Macher selbst, verwiesen auf die schonungslosen Darstellungen der negativen Konsequenzen: qualvolle Entzugserscheinungen, die herzzerreißende Babyszene, Überdosis, Krankheit (AIDS), Verrat und das allgegenwärtige Elend . Für viele Zuschauer war der Film eine eindringliche Anti-Drogen-Botschaft. Er zeigte die harte Realität der Sucht in der Arbeiterklasse und dekonstruierte damit den Mythos des glamourösen "Heroin Chic".
Die Kontroverse erreichte einen Höhepunkt, als der damalige republikanische US-Präsidentschaftskandidat Bob Dole den Film 1996 öffentlich der Drogenverherrlichung bezichtigte – ohne ihn jemals gesehen zu haben . Die Auswirkungen dieser Kritik waren jedoch minimal. Man könnte sogar argumentieren, dass Doles Angriff als unbeabsichtigtes "negatives Marketing" funktionierte: Die Verurteilung durch eine konservative Establishment-Figur machte den Film für die rebellische Zielgruppe, die sich genau von solchen Autoritäten abgrenzen wollte, potenziell noch attraktiver. Die Kontroverse wurde Teil des Phänomens, nicht sein Ende.
Budget, Vertrieb und der Glaube an den Durchbruch
Hinter dem Erfolg stand auch eine bemerkenswerte finanzielle Strategie. Produziert für nur 1,5 Millionen Pfund von Channel 4 Films , einem Sender bekannt für die Förderung unabhängiger und oft gewagter Projekte , investierte der britische Verleih Polygram Filmed Entertainment die außergewöhnliche Summe von 800.000 bis 850.000 Pfund allein in die heimische Marketingkampagne – über die Hälfte des Produktionsbudgets . Dies war ein klares Signal des Vertrauens und eine bewusste Entscheidung für eine aggressive Promotion nach Hollywood-Vorbild, weit entfernt von den üblichen bescheidenen Marketingbudgets europäischer Independent-Filme. Polygram (damals im Aufbau begriffen, um ein europäisches Studio von Weltrang zu werden ) setzte darauf, dass der Film das Potenzial hatte, über seine Nische hinauszuwachsen.
In den USA übernahm die damals aufstrebende Independent-Schmiede Miramax den Vertrieb . Unter der Führung der Weinstein-Brüder, bekannt für aggressive Marketingstrategien , wurde Trainspotting geschickt als eine Art "britisches Pulp Fiction" positioniert. Dieser Vergleich mit dem Tarantino-Hit von 1994, ebenfalls ein Miramax-Erfolg , war eine strategische Abkürzung, um dem amerikanischen Publikum den coolen, gewalttätigen, dialoglastigen und stilisierten Ton des Films zu vermitteln, ohne die spezifischen schottischen oder Britpop-Nuancen erklären zu müssen. Miramax überschwemmte den Markt mit Postern, Postkarten, Soundtrack-Alben und ließ sogar ein neues Musikvideo zu "Lust for Life" von Danny Boyle drehen. Diese Strategie nutzte das kulturelle Kapital eines etablierten Indie-Hits, um Trainspotting für die junge, hippe amerikanische Zielgruppe attraktiv zu machen.
Das Vermächtnis: Ein kultureller Monolith
Die Marketingkampagne war zweifellos ein entscheidender Faktor für den phänomenalen Erfolg von Trainspotting. Sie half, den Film aus der Arthouse-Ecke in den Mainstream zu katapultieren und ihn als kulturelles Ereignis zu etablieren.Der Film und seine Vermarktung fingen den Zeitgeist der Mitt-90er perfekt ein – "Cool Britannia", Britpop, die Ambivalenz einer Generation zwischen Aufbruch und Absturz . Die Poster wurden zu Ikonen , der Soundtrack zur allgegenwärtigen Playlist .
Der Einfluss der Kampagne reicht weit über 1996 hinaus. Ihre Ästhetik – die kühne Typografie, der minimalistische und doch plakative Einsatz von Farbe und Schwarz-Weiß, die charakterfokussierten Visuals – und ihre Strategie – die tiefe Integration von Musik, die gezielte Ansprache von Subkulturen, das kalkulierte Spiel mit Kontroversen – beeinflussten zahlreiche nachfolgende Filmkampagnen, insbesondere im Independent- und Jugendfilmsektor . Sie demonstrierte eindrucksvoll die Macht des 'Anti-Marketings', das auf Authentizität und kulturelle Resonanz setzt.
Trainspotting katapultierte zudem die Karrieren von Regisseur Danny Boyle und Schauspielern wie Ewan McGregor, Robert Carlyle und Jonny Lee Miller. Der Film schärfte das internationale Profil des schottischen Kinos , auch wenn die erhofften langfristigen infrastrukturellen Auswirkungen, wie der Bau eines eigenen großen Filmstudios, lange auf sich warten ließen oder umstritten blieben. Die Tatsache, dass 2017 eine Fortsetzung, T2 Trainspotting, folgte und der Originalfilm samt seiner Marketingmaterialien bis heute diskutiert, analysiert und gesammelt wird , unterstreicht sein bleibendes kulturelles Gewicht.
Fazit: Die zeitlose Lektion von Trainspotting
Die Marketingkampagne für Trainspotting war weit mehr als nur Werbung. Sie war ein integraler Bestandteil des Phänomens, eine meisterhafte Inszenierung, die den Geist des Films perfekt einfing und verstärkte. Ihre Genialität lag in der Symbiose aus strategischem Kalkül und kreativer Radikalität: die präzise Ansprache der Jugendkultur durch Musik und Haltung, die visuelle Disruption der Stylorouge-Poster, die subversive Aneignung des "Choose Life"-Slogans, die nahtlose Integration des ikonischen Soundtracks und der mutige, fast provokante Umgang mit der Kontroverse.
Die Kampagne war erfolgreich, weil sie authentisch war. Sie spiegelte die Widersprüche, die Energie und die Ambivalenz des Films wider, anstatt zu versuchen, ihn zu glätten oder zu entschärfen. Sie verstand es, den kulturellen Moment zu nutzen und eine tiefe Resonanz mit dem Lebensgefühl einer Generation herzustellen. Trainspotting und sein Marketing sind somit ein Lehrstück dafür, wie 'Anti-Marketing', das auf kulturelles Verständnis, visuelle Innovation und inhaltliche Authentizität setzt, eine Marke schaffen kann, die weit über das eigentliche Produkt hinausweist und sich tief im kollektiven Gedächtnis verankert. Sie haben nicht nur das Leben gewählt, sondern auch die Regeln des Spiels neu geschrieben.
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